Enanitos Verdes
Origen: Argentina
Canciones Interpretadas: 4 canciones
Oriundos de la provincia de Mendoza, tienen su origen como trío en noviembre de 1979. Empezaron con presentacione en diferentes pubs; después tocaron en pequeños teatros, no sólo de la ciudad de Mendoza sino en la sprovincias vecinas y pronto se convirtieron en el grupo más popular en las regiones de Mendoza y Cuyo.
Con el éxito obtenido en sus presentaciones en Cuyo, la agrupación viaja a principios de 1983 a Buenos Aires a probar suerte y para grabar un demo, que nunca fue editado. Pese a este fracaso continuan realizando shows, tanto en Mendoza como en la Capital.
En 1984 se incorporan dos nuevos integrantes: Sergio Embroni (guitarra y voz) y Tito Dávila (teclados). Ccomo quinteto editan el primer disco, “Los Enanitos Verdes” con una música mezcla de "Pop" y Rock and Roll".
En 1986 firman contrato con CBS Argentina, ahora Sony Music, y lanzan su segundo álbum, "Contrareloj", en el que cuentan con la producción artística de Andrés Calamaro. De este disco se desprende la canción La Muralla que lleva a los Enanitos Verdes a convertirse en una de las bandas más renombradas del rock latino.
Su popularidad empieza a expandirse en todo el país y empiezan a ser escuchados en los países vecinos.
1987 fue el año de consolidación de los Enanos, y graban u tercer álbum “Habitaciones Extrañas” que fue un gran éxito con canciones como Por el resto de tus días, Te vi en un Tren y el clásico argentino de los 70’s El extraño del pelo largo.
En 1988 son protagonistas de una de las giras más extensas realizadas por un grupo argentino. En seis meses se presentan en 31 oportunidades, entre las cuales se destacan: Viña del Mar ante 50.000 espectadores y donde las ovaciones del público los hacen merecedores a dos Gaviotas de Plata; Mendoza (35.000 espectadores) y Santiago de Chile (32.000), impulsados por su hit "La Muralla".
Este mismo año, graban su caurto disco “Carrousel” con canciones como Guitarras Blancas y No me verás, y extienden su gira Carrusel por toda Argentina hasta marzo del 89.
A finales de 1989, vuelven a lso estudios de grabación a editar su quinto álbum “Había una vez” que fue el último que graban con CBS.
En este punto la banda está en uno de los mejores momentos de su carrera en la cumbre del éxito, pero en 1989 tras la edición de "Había una vez..." el grupo decide disolverse. Cantero, Stiaiti y Piccolo, toman diferentes caminos y se despiden de su público con un último Tour por Costa Rica y Panamá.
En 1992 el grupo vuelve a juntarse para continuar tocando. Ahora con EMI su nueva compañía disquera, Los Enanitos Verdes graban “Igual que ayer” su sexto álbum.
Una vez que el “fantasma” de la separación desapareció y lograron mayor popularidad que nunca, la banda comienza a componer su séptimo álbum en 1993, dándo como resultado “Big Bang”, combinando la fuerza de los Enanos en sus presentaciones en vivo, y el rock básico.
El primer sencillo de esta producción, Lamento Boliviano, alcanzó los primeros lugares de popularidad en varios países y el álbum obtuvo Disco de Platino.
A finales de 1995 y principios del 96 continuaron la preparación de su octavo álbum. “Guerra Gaucha” fue el título de esta producción que definitivamente consolidó su carrera.
Terminado este álbum la banda se trasladó a Buenos Aires para ofrecer un concierto al aire libre en los Lagos de Palermo ante 25,000 personas donde grabaron Lamento Boliviano en vivo para liberarlo en una complilación de MTV con otras bandas como Soda Stereo y Maná.
Ente junio y julio terminaron la grabción de “Planetario” el noveno álbum de los Enanitos y el último con EMI que fue liberado en 1997.
Después de unaspresentaciones en Lima y Huancayo, regresan aBuenos aires para preparar la grabación acústica de unas de las canciones má exitosas del grupo. Este disco fue grabado en vivo en la Ciudad de México. "Tracción acústica" liberado a finales de 1998 fue el primero para el sello Polygram USA, que los convierte en el primer grupo argentino en firmar para una compañía norteamericana.
miércoles, 29 de julio de 2009
jueves, 16 de julio de 2009
HISTORICO DISCO DE "PORSUIGIECO"
Que veinticinco años no es nada
A un cuarto de siglo de su edición, este diario ofrece mañana a sus lectores un disco memorable, producto de una reunión de talentos que derivó en una experiencia irrepetible. La edición incluye como bonus track la canción “El fantasma de Canterville”, eliminada por el Comfer de la edición original.
Por Claudio Kleiman
Como tantas historias trascendentes, la de Porsuigieco comienza casi por casualidad. Sui Generis, es decir, Charly García y Nito Mestre, León Gieco y Raúl Porchetto tenían varias cosas en común: eran amigos, pertenecían a la “segunda generación” del rock nacional y además cultivaban una afinidad por cierto sonido primordialmente acústico, que los llevaba a compartir recitales frecuentemente, junto a una serie de intérpretes enrolados en la misma corriente como Miguel y Eugenio, Gabriela, y otros.
Este tipo de sonido se había difundido internacionalmente de la mano de grupos como The Band y especialmente, Crosby, Stills, Nash & Young, cuya actuación en el Festival de Woodstock (y la consiguiente película) obró de disparador para una generación de músicos que descubrió y adoptó las guitarras acústicas. Estas representaban una manera cálida y directa de transmitir el mensaje de la canción, un poco como reacción a la distorsión excesiva y las zapadas interminables que se habían popularizado a fines de los 60.
En 1974, Charly, Nito, Raúl y León se reunieron en el pequeño departamento que Gieco compartía en la calle Corrientes con su mujer, Alicia, con la idea de formar una editorial y luchar de esa manera contra los contratos leoninos de las compañías grabadoras y sus editoriales asociadas, que se quedaban con un porcentaje importante de regalías y poseían además los derechos de los temas de por vida. Claro que tratándose de quienes se trataba, la idea de la editorial fue rápidamente olvidada y reemplazada por una guitarreada espontánea, donde el ensamble espontáneo de las voces y la buena onda que se generó de inmediato derivó en la idea de un recital conjunto.
Sui Generis ya estaba recorriendo la etapa final de su carrera, mientras que Gieco había lanzado su segundo LP. Porchetto era el menos conocido de los cuatro –solo tenía en la calle su álbum debut, Cristo rock–, pero además de la amistad que lo unía a los otros también había tenido que ver con el “descubrimiento” de Charly. Este había participado como invitado en las sesiones de “Cristo rock” (que fue su primera grabación como profesional). Allí, durante algún alto en el trabajo, sus canciones fueron escuchadas por el productor Jorge Alvarez, a quien no le pasó inadvertido el talento del flaco pianista.
Fue justamente de García la idea del nombre grupal, “Porsuigieco y su banda de avestruces domadas”, una suerte de guiño cómplice al grupo de acompañamiento de Gieco en esa época, llamado “La banda de caballos cansados”. La idea era cobijarse bajo un nombre casi anónimo, y hacer las cosas en pequeña escala. Programaron un recital en el Auditorio Kraft, y salieron ellos mismos a pegar los afiches, con sendos baldes de engrudo. León recuerda con ternura como se encontraron frente al bar La Paz, y se dividieron en parejas Charly y Raúl, por un lado, Gieco y Nito por el otro para cubrir con la pegatina ambos lados de Corrientes. Con esa pequeña promoción, el recital fue todo un éxito, a tal punto que quedó gente afuera. La experiencia les dio el ímpetu para subirse a un micro y realizar una pequeña gira que abarcó las ciudades de Tandil, Mar del Plata y Bahía Blanca.
La gira provoca en sus protagonistas aún al día de hoy evocaciones entre divertidas y nostálgicas. Porchetto tiene una imagen del micro avanzando por la carretera con uno de los parlantes, que habían conseguido conectar vaya a saber cómo, emitiendo música a todo volumen y ellos cantando encima. Por su parte, Gieco evoca que la bebida obligada era el vino mistela frío, que bebían en una bota de cuero español. También recuerda que el grupo en gira (al que se había sumado María Rosa Yorio, en ese entonces mujer de Charly, más amigos y asistentes), se había convertido en una especie de tribu de gitanos, y la experiencia tenía similaridades conJoe Cocker y su banda de “Perros rabiosos e ingleses”, popularizado a través de la película homónima. Incluso viajaban con un perro, que introducían subrepticiamente en los hoteles escondido en un bolso, el que luego solía pasearse tranquilamente sobre el escenario o bajar a la platea.
Poco después de la gira, el grupo ingresó en los estudios Music-Hall para grabar lo que sería su único LP. Pero no duraron mucho allí: el dueño de la compañía, Néstor Celasco, envió un par de “espías” para ver si encontraban huellas de sustancias “non sanctas” las que, por supuesto, fueron halladas. Pero en lugar de una reprimenda, quizá consciente de su inutilidad, decidió enviarlos a otro estudio, para no verse comprometido. Así fue que la mayor parte de “Porsuigieco” se grabó finalmente en el Estudio Phonalex, ubicado en la calle Dragones (que inspiraría el tema de Gieco “Los chacareros de Dragones”, editado en su 3º LP). El lugar disponía de condiciones técnicas inferiores a las de Music-Hall (sólo cuatro canales), pero tenía una cierta intimidad que favoreció el clima de la grabación.
Para dotar al grupo de un sonido más “profesional que las simples guitarras acústicas y piano con que se acompañaban en vivo fueron convocados algunos de los mejores músicos de la época: entre otros, participaron Oscar Moro en batería, Rinaldo Rafanelli en bajo, Pino Marrone (guitarrista de Crucis), Juan Rodríguez, Leo Sujatovich, José Luis Fernández y Gonzalo Farrugia. Para su tema, “Las puertas de Acuario”, Porchetto invitó a los integrantes de su grupo, Reino De Munt, que incluía al guitarrista Gustavo Bazterrica (futuro integrante de La Máquina de hacer Pájaros).
Cada uno de los principales compositores contribuyó con algunas gemas de su cosecha; León, curiosamente, aportó el momento más rocanrolero del disco con “La mamá de Jimmy”, además de “Viejo, solo y borracho” y una canción que se convertiría en uno de sus grandes clásicos: “La colina de la vida”. También una “remake” de “Todos los caballos blancos” -originalmente incluido en su primer LP–, en una versión más lenta, ideal para las armonizaciones vocales que eran el fuerte del grupo.
Charly sacó de la galera (o mejor dicho del archivo) dos canciones de las primerísimas épocas de Sui Generis, “Quiero ver, quiero ser, quiero entrar” –que se convertía en el vehículo para el lucimiento de María Rosa Yorio–, y “Tu alma te mira hoy”. Nito Mestre hacía su debut como compositor con “Fucsia”, mientras que “Burbujas musicales” es exactamente eso: la grabación de la efervescencia de una tableta de Redoxon, procesada con efectos.
Porchetto contribuyó con “Las puertas de acuario”, donde en una parte va cantando dos letras simultáneamente (una por cada canal), y “Mujer del bosque” compuesta a último momento para reemplazar otra que ¡le habían borrado por error! Raúl recuerda que la letra la terminó en el colectivo 44, viajando con Charly hacia el estudio.
Pero hubo otro tema compuesto de urgencia: “Antes de gira”, una bella canción de García, fue grabada de apuro para reemplazar “El fantasma de Canterville”, también de Charly. Ya corría el siniestro 1976, y comenzaba la exigencia de mandar las letras al Comfer. Cuando volvieron (nadie recuerda a ciencia cierta si por exigencia de la censura o por autocensura del dueño de la grabadora), llegó la orden de que “El fantasma de Canterville” que contenía frases como “he muerto muchas veces acribillado en la ciudad/pero es mejor ser muerto que número que viene y va”, no podía ser incluida.
Sin embargo, una pequeña partida de discos que ya estaba fabricada alcanzó a ver la calle (sin ninguna mención en el arte de tapa) con ese tema, antes de ser sustituida por la versión definitiva. Justamente de una de esas placas fue tomada la versión de “El fantasma de Canterville” queahora se edita por primera vez de manera “oficial” en el CD que sale con la edición de mañana de Página/12. Además de los valores artísticos de la canción, una joya de García que Gieco haría suya por derecho propio, la restitución de “El fantasma de Canterville” al álbum al que pertenece es prácticamente un hecho de “reparación histórica”.
Porsuigieco fue una experiencia única dentro del rock nacional, producto tanto del momento histórico como de las circunstancias personales que atravesaban sus integrantes. Si bien se abría una época terrible en la Argentina, y algunas de las letras dan cuenta de esa realidad, tanto la existencia del grupo como la grabación del LP coincidió con el período democrático (1973-1976) y la música con esas cristalinas melodías folk entonadas por cuidadas armonías vocales remite a cierto clima de inocencia tan singular como irrepetible.
Un clima que también transmitía el comentario queel autor de esta nota publicó en el N5 de la revista Expreso Imaginario, de diciembre de 1976. Allí decía: “Eso es lo que transmite este disco: un sentimiento alegre, calmo, melodioso, bellas canciones para escuchar y saborear lentamente. No hay gritos, no hay solos, no hay divos. Porque este LP pretende algo más importante: comunicar sentimientos. Y lo logra”. Y agregaba una clave para descubrir el “tesoro escondido”: “Algunos pocos afortunados se encontrarán con una sorpresa en la banda 4 del lado 2”. Luego de 25 años, ahora esos afortunados dejarán de ser unos pocos.
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A un cuarto de siglo de su edición, este diario ofrece mañana a sus lectores un disco memorable, producto de una reunión de talentos que derivó en una experiencia irrepetible. La edición incluye como bonus track la canción “El fantasma de Canterville”, eliminada por el Comfer de la edición original.
Por Claudio Kleiman
Como tantas historias trascendentes, la de Porsuigieco comienza casi por casualidad. Sui Generis, es decir, Charly García y Nito Mestre, León Gieco y Raúl Porchetto tenían varias cosas en común: eran amigos, pertenecían a la “segunda generación” del rock nacional y además cultivaban una afinidad por cierto sonido primordialmente acústico, que los llevaba a compartir recitales frecuentemente, junto a una serie de intérpretes enrolados en la misma corriente como Miguel y Eugenio, Gabriela, y otros.
Este tipo de sonido se había difundido internacionalmente de la mano de grupos como The Band y especialmente, Crosby, Stills, Nash & Young, cuya actuación en el Festival de Woodstock (y la consiguiente película) obró de disparador para una generación de músicos que descubrió y adoptó las guitarras acústicas. Estas representaban una manera cálida y directa de transmitir el mensaje de la canción, un poco como reacción a la distorsión excesiva y las zapadas interminables que se habían popularizado a fines de los 60.
En 1974, Charly, Nito, Raúl y León se reunieron en el pequeño departamento que Gieco compartía en la calle Corrientes con su mujer, Alicia, con la idea de formar una editorial y luchar de esa manera contra los contratos leoninos de las compañías grabadoras y sus editoriales asociadas, que se quedaban con un porcentaje importante de regalías y poseían además los derechos de los temas de por vida. Claro que tratándose de quienes se trataba, la idea de la editorial fue rápidamente olvidada y reemplazada por una guitarreada espontánea, donde el ensamble espontáneo de las voces y la buena onda que se generó de inmediato derivó en la idea de un recital conjunto.
Sui Generis ya estaba recorriendo la etapa final de su carrera, mientras que Gieco había lanzado su segundo LP. Porchetto era el menos conocido de los cuatro –solo tenía en la calle su álbum debut, Cristo rock–, pero además de la amistad que lo unía a los otros también había tenido que ver con el “descubrimiento” de Charly. Este había participado como invitado en las sesiones de “Cristo rock” (que fue su primera grabación como profesional). Allí, durante algún alto en el trabajo, sus canciones fueron escuchadas por el productor Jorge Alvarez, a quien no le pasó inadvertido el talento del flaco pianista.
Fue justamente de García la idea del nombre grupal, “Porsuigieco y su banda de avestruces domadas”, una suerte de guiño cómplice al grupo de acompañamiento de Gieco en esa época, llamado “La banda de caballos cansados”. La idea era cobijarse bajo un nombre casi anónimo, y hacer las cosas en pequeña escala. Programaron un recital en el Auditorio Kraft, y salieron ellos mismos a pegar los afiches, con sendos baldes de engrudo. León recuerda con ternura como se encontraron frente al bar La Paz, y se dividieron en parejas Charly y Raúl, por un lado, Gieco y Nito por el otro para cubrir con la pegatina ambos lados de Corrientes. Con esa pequeña promoción, el recital fue todo un éxito, a tal punto que quedó gente afuera. La experiencia les dio el ímpetu para subirse a un micro y realizar una pequeña gira que abarcó las ciudades de Tandil, Mar del Plata y Bahía Blanca.
La gira provoca en sus protagonistas aún al día de hoy evocaciones entre divertidas y nostálgicas. Porchetto tiene una imagen del micro avanzando por la carretera con uno de los parlantes, que habían conseguido conectar vaya a saber cómo, emitiendo música a todo volumen y ellos cantando encima. Por su parte, Gieco evoca que la bebida obligada era el vino mistela frío, que bebían en una bota de cuero español. También recuerda que el grupo en gira (al que se había sumado María Rosa Yorio, en ese entonces mujer de Charly, más amigos y asistentes), se había convertido en una especie de tribu de gitanos, y la experiencia tenía similaridades conJoe Cocker y su banda de “Perros rabiosos e ingleses”, popularizado a través de la película homónima. Incluso viajaban con un perro, que introducían subrepticiamente en los hoteles escondido en un bolso, el que luego solía pasearse tranquilamente sobre el escenario o bajar a la platea.
Poco después de la gira, el grupo ingresó en los estudios Music-Hall para grabar lo que sería su único LP. Pero no duraron mucho allí: el dueño de la compañía, Néstor Celasco, envió un par de “espías” para ver si encontraban huellas de sustancias “non sanctas” las que, por supuesto, fueron halladas. Pero en lugar de una reprimenda, quizá consciente de su inutilidad, decidió enviarlos a otro estudio, para no verse comprometido. Así fue que la mayor parte de “Porsuigieco” se grabó finalmente en el Estudio Phonalex, ubicado en la calle Dragones (que inspiraría el tema de Gieco “Los chacareros de Dragones”, editado en su 3º LP). El lugar disponía de condiciones técnicas inferiores a las de Music-Hall (sólo cuatro canales), pero tenía una cierta intimidad que favoreció el clima de la grabación.
Para dotar al grupo de un sonido más “profesional que las simples guitarras acústicas y piano con que se acompañaban en vivo fueron convocados algunos de los mejores músicos de la época: entre otros, participaron Oscar Moro en batería, Rinaldo Rafanelli en bajo, Pino Marrone (guitarrista de Crucis), Juan Rodríguez, Leo Sujatovich, José Luis Fernández y Gonzalo Farrugia. Para su tema, “Las puertas de Acuario”, Porchetto invitó a los integrantes de su grupo, Reino De Munt, que incluía al guitarrista Gustavo Bazterrica (futuro integrante de La Máquina de hacer Pájaros).
Cada uno de los principales compositores contribuyó con algunas gemas de su cosecha; León, curiosamente, aportó el momento más rocanrolero del disco con “La mamá de Jimmy”, además de “Viejo, solo y borracho” y una canción que se convertiría en uno de sus grandes clásicos: “La colina de la vida”. También una “remake” de “Todos los caballos blancos” -originalmente incluido en su primer LP–, en una versión más lenta, ideal para las armonizaciones vocales que eran el fuerte del grupo.
Charly sacó de la galera (o mejor dicho del archivo) dos canciones de las primerísimas épocas de Sui Generis, “Quiero ver, quiero ser, quiero entrar” –que se convertía en el vehículo para el lucimiento de María Rosa Yorio–, y “Tu alma te mira hoy”. Nito Mestre hacía su debut como compositor con “Fucsia”, mientras que “Burbujas musicales” es exactamente eso: la grabación de la efervescencia de una tableta de Redoxon, procesada con efectos.
Porchetto contribuyó con “Las puertas de acuario”, donde en una parte va cantando dos letras simultáneamente (una por cada canal), y “Mujer del bosque” compuesta a último momento para reemplazar otra que ¡le habían borrado por error! Raúl recuerda que la letra la terminó en el colectivo 44, viajando con Charly hacia el estudio.
Pero hubo otro tema compuesto de urgencia: “Antes de gira”, una bella canción de García, fue grabada de apuro para reemplazar “El fantasma de Canterville”, también de Charly. Ya corría el siniestro 1976, y comenzaba la exigencia de mandar las letras al Comfer. Cuando volvieron (nadie recuerda a ciencia cierta si por exigencia de la censura o por autocensura del dueño de la grabadora), llegó la orden de que “El fantasma de Canterville” que contenía frases como “he muerto muchas veces acribillado en la ciudad/pero es mejor ser muerto que número que viene y va”, no podía ser incluida.
Sin embargo, una pequeña partida de discos que ya estaba fabricada alcanzó a ver la calle (sin ninguna mención en el arte de tapa) con ese tema, antes de ser sustituida por la versión definitiva. Justamente de una de esas placas fue tomada la versión de “El fantasma de Canterville” queahora se edita por primera vez de manera “oficial” en el CD que sale con la edición de mañana de Página/12. Además de los valores artísticos de la canción, una joya de García que Gieco haría suya por derecho propio, la restitución de “El fantasma de Canterville” al álbum al que pertenece es prácticamente un hecho de “reparación histórica”.
Porsuigieco fue una experiencia única dentro del rock nacional, producto tanto del momento histórico como de las circunstancias personales que atravesaban sus integrantes. Si bien se abría una época terrible en la Argentina, y algunas de las letras dan cuenta de esa realidad, tanto la existencia del grupo como la grabación del LP coincidió con el período democrático (1973-1976) y la música con esas cristalinas melodías folk entonadas por cuidadas armonías vocales remite a cierto clima de inocencia tan singular como irrepetible.
Un clima que también transmitía el comentario queel autor de esta nota publicó en el N5 de la revista Expreso Imaginario, de diciembre de 1976. Allí decía: “Eso es lo que transmite este disco: un sentimiento alegre, calmo, melodioso, bellas canciones para escuchar y saborear lentamente. No hay gritos, no hay solos, no hay divos. Porque este LP pretende algo más importante: comunicar sentimientos. Y lo logra”. Y agregaba una clave para descubrir el “tesoro escondido”: “Algunos pocos afortunados se encontrarán con una sorpresa en la banda 4 del lado 2”. Luego de 25 años, ahora esos afortunados dejarán de ser unos pocos.
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CARTA ABIERTA DE "LOS PÌOJOS"
Queridos Piojosos, fans, seguidores:
Queremos informarles que a partir del próximo show del 14 de mayo de 2009 en el Club Ciudad de Buenos Aires, la banda entrará en un parate. Después de veinte años de carrera y constante crecimiento, algunos pesares y muchas grandes alegrías, giras mágicas y esforzados discos, un intenso desgaste nos obliga a parar nuevamente (como en 2005). Este impasse no tiene plazos ni condiciones.
Los Piojos no se separan. Tampoco sabemos cuando volverán a reunirse.
Se puede suponer, sin temor a equivocarse, que la banda se encuentra en el punto más alto a nivel artístico y de popularidad de toda su historia.
Cualquiera puede decir que es una locura tomar distancia ahora. Frenar. Es un razonamiento lógico. Pero nosotros tenemos otro, quizá no tan “lógico”, pero muy real.
Hoy vivimos de lo que somos. Hoy somos lo que hacemos.
No queremos empezar a hacer “como qué”. No queremos “vivir a Los Piojos”.
Sería triste fingir espontaneidad donde no la hubiera. No nos gustaría llegar a una saturación definitiva.
Como hablamos en reuniones internas, quizá volvamos a tocar en seis meses, dos años, ocho. No lo sabemos.
Por favor, que no se malentienda: no es en los shows, o en la relación hirviente con el público, o en el afecto en la calle con los fans en donde reside o nace el cansancio. No es en los miles de correos y cartas.
Es el trajín de veinte años de convivencia lo que pide un descanso…
Queremos decirles a todos que el espíritu piojoso seguirá vivo. Eso ustedes quizá lo sepan mejor que nosotros.
Cada tatuaje seguirá llevándonos adonde vaya.
Lo que no queremos es especular.
Queremos hacer música y arte. Y como alguna vez dijo una canción, “si vos querés estar libre, si querés alto volar, que haya un hachazo en tu ojo, pero una flor en tu ojal”.
Un abrazo de veinte años, enorme, con todo el corazón.
Gracias y hasta la próxima.
Los Piojos.
Queremos informarles que a partir del próximo show del 14 de mayo de 2009 en el Club Ciudad de Buenos Aires, la banda entrará en un parate. Después de veinte años de carrera y constante crecimiento, algunos pesares y muchas grandes alegrías, giras mágicas y esforzados discos, un intenso desgaste nos obliga a parar nuevamente (como en 2005). Este impasse no tiene plazos ni condiciones.
Los Piojos no se separan. Tampoco sabemos cuando volverán a reunirse.
Se puede suponer, sin temor a equivocarse, que la banda se encuentra en el punto más alto a nivel artístico y de popularidad de toda su historia.
Cualquiera puede decir que es una locura tomar distancia ahora. Frenar. Es un razonamiento lógico. Pero nosotros tenemos otro, quizá no tan “lógico”, pero muy real.
Hoy vivimos de lo que somos. Hoy somos lo que hacemos.
No queremos empezar a hacer “como qué”. No queremos “vivir a Los Piojos”.
Sería triste fingir espontaneidad donde no la hubiera. No nos gustaría llegar a una saturación definitiva.
Como hablamos en reuniones internas, quizá volvamos a tocar en seis meses, dos años, ocho. No lo sabemos.
Por favor, que no se malentienda: no es en los shows, o en la relación hirviente con el público, o en el afecto en la calle con los fans en donde reside o nace el cansancio. No es en los miles de correos y cartas.
Es el trajín de veinte años de convivencia lo que pide un descanso…
Queremos decirles a todos que el espíritu piojoso seguirá vivo. Eso ustedes quizá lo sepan mejor que nosotros.
Cada tatuaje seguirá llevándonos adonde vaya.
Lo que no queremos es especular.
Queremos hacer música y arte. Y como alguna vez dijo una canción, “si vos querés estar libre, si querés alto volar, que haya un hachazo en tu ojo, pero una flor en tu ojal”.
Un abrazo de veinte años, enorme, con todo el corazón.
Gracias y hasta la próxima.
Los Piojos.
viernes, 10 de julio de 2009
LOS CHACAREROS DE DRAGONES - Leon Gieco
La alusión a "cuando le cortaron al poeta las manos" se refiere a la tortura que sufrió el poeta/cantautor chileno Víctor Jara en 1973, tras el golpe militar de Augusto Pinochet y la caída de Salvador Allende.Según testimonios, a Jara le golpearon las manos con una culata de revólver hasta rompérselas antes de acribillarlo,Gieco homenajea al chileno con una canción que a su vez es un tributo a otra compatriota del poeta torturado: Violeta Parra.A charango y voz, con un estribillo doliente de interjecciones, la versión original grabada en 1977 se ubicaba a la perfección en el contexto de "El Fantasma de Canterville", donde uno de los temas centrales es como se articulan los pensamientos, las palabras, los gritos y los silencios en medio de un clima opresivo de la Dictadura.Como en aquella canción de debut.Ahora cáete aquí, la figura del poeta es reivindicada al mismo tiempo como la del trovador popular y el militante: "A todos los hombres que nacieron/ para salvar un país, los mataron".
Música y Letra: León Gieco
Músicos: León Gieco: voz y charango; David Lindley: violín,davul def.Freebo, tuba.
Música y Letra: León Gieco
Músicos: León Gieco: voz y charango; David Lindley: violín,davul def.Freebo, tuba.
jueves, 9 de julio de 2009
BIOPAPPO (El Rockero)
El 10 de marzo de 1950 nace Norbert Napolitano en La Paternal.En 1962 comienza a estudiar música. En 1965 le regalan una Hofner. En 1965 crea Los Buitres. En 1966 junto a Bocón Tito Milanesa funda Engranje. En 1967 Pomo le presenta a Miguel Abuelo, Ingresa a Los Abuelos de la Nada. En 1969 Litto Nebbia lo invita a integrarse a Los Gatos. Entre 1970 y 1971 viaja a Europa. Conoce a John Bonham de Led Zeppelin y a Lemmy de Motorhead. En 1971 forma Pappos Blues, junto a David Lebón y Black Amaya. El 3 de Diciembre 3.000 personas lo ovacionan en el Teatro Metro. En 1972 graba Pappos Blues II- En 1973 sale a la venta Pappos Blues III. En 1974 edita Pappos Blues IV y Triángulo. En 1975 toca con Motorhead y con la Peter Greens Band. En 1977 funda Aeroblus. En 1980 debuta Riff. En 1982 Riff se presenta en el BA Rock, es un suceso. En 1983 Riff se despide en Ferro ante 20.000 personas. En 1992 presenta "Blues Local". En 1992 es telonero de B:B:King en Argentina. El 7 de Julio 1993 se presenta en Los Angeles junto a Smokey Wilson. El 10 de agosto, invitado por B.B.King, actúa en el Madison Square Garden de Nueva York. En 1994 edita un álbum con Deacon Jones. En 1995 presenta "Caso Cerrado". En 1996 edita con Riff un disco en vivo. En 1997 trabaja como actor en "Carola Casini", serie de Canal 13.El Hombre del Blues, uno de los precursores del rock argentino. Es reconocido a nivel internacional; compartió escenario con bluseros legendarios.Norberto "Pappo Napolitano es la expresión más veraz que el Rock Argentino haya existido en estas tierras, considerado internacionalmente como uno de los guitarristas más brillantes, ha establecido un estilo en la música nacional que es imposible no reconocerle.
BIENVENIDOS A TODOS
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